ANÁLISIS DE LA OBRA DE ARTE. TAREA VOLUNTARIA

 

ANALIZA ESTAS CUATRO IMÁGENES SIGUIENDO LA GUÍA:

ENLACE

Plazo recomendado de entrega: 17 de mayo.

ANÁLISIS DE LA OBRA DE ARTE

A la hora de analizar una imagen se debe partir de una estructura, que quedaría dividida  en dos niveles. Uno llamado nivel o plano denotativo, donde se haría una lectura objetiva de la imagen a través de todos sus atributos, es decir, trataría acerca de lo que muestra a simple vista una imagen. El otro sería el nivel o plano connotativo, trabajando dentro de este una lectura subjetiva, es decir la interpretación personal.

 

A / NIVEL DENOTATIVO

 

1.     DESCRIPCIÓN DE LA IMAGEN

 

En primer lugar: ¿Qué es lo que vemos?(La foto de un cuadro, una escultura....)

.............................................................................................................................................

·       GÉNERO: (retrato, paisaje, bodegón, algo abstracto, tipo de edificio ...)

.............................................................................................................................................

 

·       TEMÁTICA: ( religiosa, política...). Se describen los personajes, objetos, el escenario (natural o artificial), las posiciones de los personajes, los gestos...

 

.......................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................

 

·       CARÁCTER PLÁSTICO DOMINANTE Y ESTILO AL QUE PERTENECE: (realismo, naturalismo, expresionismo, abstracto, idealismo, ilustración...)(Barroco, renacentista, impresionista...)

.............................................................................................................................................

 

 

2.     TIPO DE IMAGEN

 

·       Fija o estática / en movimiento.( Una foto, un vídeo, ilustración....)

.............................................................................................................................................

·       Bidimensional / tridimensional.

.............................................................................................................................................

·       Según su origen:

Mental  , es aquella imagen que nuestro pensamiento produce, no existiendo por tanto fisicamente.

Natural, es la imagen de mayor iconicidad (grado de parecido) , la propia realidad.

Creada o mediada, es la que construimos de una manera quirográfica, por ejemplo un dibujo a pastel, una acuarela...

Registrada o Analógica. , la que es un indicio o huella, por ejemplo una fotografía, un vídeo...

.............................................................................................................................................

·       Digital : imagen informática realizada en sistema binario.

.............................................................................................................................................

·       Monocular / estereoscópica.( una foto, una proyección de vídeo..../realidad virtual, cine en tres dimensiones.....)

.............................................................................................................................................

·       Única / múltiple(grado de reproducción y seriación)

.............................................................................................................................................

 

 

3.     ANÁLISIS FORMAL

 

·       Técnica empleada, por ejemplo, edificio de ladrillo, fotografía en blanco y negro...

.............................................................................................................................................

·       Soporte (papel, lino, plástico...)

.............................................................................................................................................

·       Perspectiva (pictórica o aérea, cónica, cilíndrica, esférica...)

.............................................................................................................................................

·       Punto de vista (normal, picado, contrapicado, escorzo, aberrante, nadir, cenital)

............................................................................................................................................

·       Encuadre (gran plano general, p. general, p. americano, p. medio, primer plano, p. de detalle). Todos estos planos pueden ser cortos o largos.

Dentro del encuadre hay que describir los límites de la composición, por ejemplo, si             se ha amputado algo...

................................................................................................................................................................................................................................................................................

·       Enfoque o términos: La profundidad de campo; si existen 1,2,3... términos;         elementos secundarios; fondos...

..............................................................................................................................................................................................................................................................................

·       Textura o apariencia externa de la imagen: (grano, trama, pinceladas...)

.......................................................................................................................................

·       Tamaño: Formato de la imagen.

.......................................................................................................................................

·       Cromatismo:                                                                                                               

a) Si es en blanco y negro hablar de los grises; contrastes (fuertes, monotonía  tonal...); ubicación de los tonos y su función...

b) Si es en color, decir cómo son los colores (naturalistas, exagerados, cálidos o fríos); cómo están distribuidos y la dimensión de los colores; apuntar si algún color domina sobre el resto.

.....................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................

·       Composición: X, O...

......................................................................................................................................

·       Iluminación:  

                                                                       Natural (según día y hora)...........................

                     FUENTE LUMINOSA                                  

                                                                       Artificial      Fría ........................................

                                                                                           Cálida......................................

             -   Incidencia de la misma, dirección y situación:

                  (Frontal, lateral, trasera, contraluz, superior, inferior)......................................

 

-   Tipo:( polarizada, fuerte, difusa, tonal, de claroscuro...)...................................

·       Movimiento:

                                                            Instantánea  .........................................................

            -  En imágenes fijas

                                               Borrosidades.......................................................

^-             En imágenes en movimiento:

  ^*  Movimientos de cámara (Pan. horizontal, pan.vertical, travelling, zoom, grúa)............

      ..............................................................................................................................                                                            

   *Montaje: lineal, paralelo, confluyente, rítmico

....................................................................................................................................

....................................................................................................................................

                                                

 * Transiciones o articulaciones temporales:

   (Corte, fundido, encadenado, cortinillas, barridos, desenfoques, sobreimpresiones...)

...............................................................................................................................

·       Tiempo: Real, fílmico, flashback,flashfoward. ……………………………………..

………………………………………………………………………………………

·       El ritmo:

-        En imágenes fijas: Es la ordenación de los elementos que se repiten en una     composición (camino con árboles, una marina con olas...).

¿En qué se basa? ¿Cómo se manifiesta?.....................................................................

.............................................................................................................................................

 - La tendencia de este (si es regular o irregular, es decir, si se mantiene o no en la composición)...................................................................................................................................................................................................................................................................

                                    

-En imágenes en movimiento: Puede ser temporal, psicológico, musical .............................................................................................................................................

 

·       Iconicidad/ abstracción:

                

............................................................................................................................................

·       Simplicidad/ complejidad: Valora los aspectos (grado de iconicidad, sentido abierto o cerrado de la representación, carácter histórico de ésta, valor económico, social, político, cultural, etc... de los objetos que aparecen en la imagen, relaciones de los elementos entre sí, utilización de elementos anacrónicos, el contexto...l).

............................................................................................................................................

............................................................................................................................................

·       Monosemia/ polisemia: (un significado/ varios significados)Según las posibles significaciones.

...........................................................................................................................................

...........................................................................................................................................

·       Originalidad / redundancia: Características del destinatario, grado de iconicidad, creatividad  de sus autores...

..........................................................................................................................................................................................................................................................................................

B. NIVEL CONNOTATIVO.

-        Consultar términos polares.

-        Interpretación subjetiva  basada en el análisis anterior.

 

 

 

 

 

El diseño inclusivo de espacios. Accesibilidad.

 

El diseño inclusivo de espacios. Accesibilidad.

El 40% de la población mundial sufre algún tipo de limitación relativa al uso de los espacios construidos. En algún momento de nuestras vidas todos pasaremos por circunstancias que condicionarán nuestro uso del entorno físico. Crear diseños accesibles para cualquier persona, independiente de su edad y condición, no es solo cuestión de justicia, sino también de eficiencia elemental.

Cuando hablamos del concepto de accesibilidad, la

mayoría de nosotros pensamos exclusivamente en adecuar los espacios arquitectónicos a las necesidades de los usuarios en silla de ruedas. Pero hay millones de personas que, sin tener ningún tipo de discapacidad reconocida, ven afectada su vida cotidiana por algún tipo de limitación, ya sea de corta o larga duración, en el uso del ámbito de lo construido o urbanizado. Es el caso, por ejemplo, de los niños, de las mujeres embarazadas, las personas con obesidad o los ancianos.

Sin embargo, no es el individuo quien tiene la discapacidad, sino el entorno el que la genera. Pensemos en todas aquellas veces que, cargando con las bolsas de la compra, con un cochecito de bebé o paseando con nuestros mayores, nos hemos visto obligados a modificar la ruta, o bien hemos necesitado la ayuda de terceros, para salvar un obstáculo y manejar los mecanismos que habitualmente utilizamos de forma autónoma sin problema ni ayuda.

Cuando hablamos de barreras arquitectónicas, pensamos en escaleras, anchos de paso,  dimensión mínima de un espacio, etcétera, pero no tenemos en cuenta que la falta de lenguaje Braille, la inexistencia de pictogramas, una iluminación inadecuada o el uso de colores poco contrastados actúan como barreras para determinados individuos a la hora de usar los espacios.

Los aspectos comunicativos condicionan aproximadamente un 20% el nivel de accesibilidad universal de un entorno. Entre las diversas estrategias para lograr una perfecta accesibilidad figuran los outputs audibles y visuales redundantes, el control del contraste en los outputs visuales, el uso de iconos significantes tanto como el texto... Elementos que deben completarse con otros recursos tan eficientes como los pavimentos señalizadores.

La accesibilidad en cifras:

- El 15% de la población mundial tiene alguna discapacidad.

- El 25% tiene algún tipo de limitación temporal o permanente en el uso del espacio.

- 700 millones de personas tienen más de 65 años, cifra que aumentará a 2.000 millones. en 2100. 

Percepción psicológica del espacio. Luz y color.

 

Color en diseño de Interiores

LOS COLORES Y LOS AMBIENTES

En el capítulo sobre el color se hablaba de las asociaciones y sensaciones que producían los colores en el ánimo y su significado particular. Los mismos planteamientos son válidos para la aplicación de los ambientes a partir de luces coloreadas o la pintura sobre las paredes.

Para ello hay que considerar antes la orientación de los espacios respecto a la luz solar, ya que a lo largo del día, la luz del sur, por ejemplo, será más cálida y potente que la que procede de una orientación al norte, porque la primera es directa y, en cambio, la segunda es indirecta.

Utilizaremos colores más claros en la orientación al norte o en lugares donde no llega la luz solar directamente, en ambientes que reciben la luz del sur se pueden emplear, sin problemas, colores más atrevidos y saturados.

La orientación al este produce iluminación matinal, más fresca, en tanto que la de atardecer, con orientación al oeste, resulta más cálida y suave. 

El amanecer es por el este y el atardecer por el oeste, sale desde Huelva y se pone por Portugal.

También hay que tener en cuenta la posición del sol a lo largo del año. Lo normal, es que las habitaciones principales: salón, dormitorios principales, terraza... estén orientados al sur, el resto de dormitorios al suroeste y zonas de biblioteca, salas de reuniones o juegos al suroeste. Al norte dejaremos escaleras, pasillos, baños...

                                                Charles Rennie Mackintosh Hill House 1902

                        Colores claros y diseño de inspiración orgánica y japonesa. Art Nouveau. 

Veamos algunas propiedades y usos del color en función de los modelos que se pueden aplicar en determinados ambientes: 

• Modelo contrastante: el juego de ciertos contrastes de color siempre produce un efecto dinámico, pero se debe evitar la equivalencia de superficies de colores contrastados, pues al competir entre sí pueden generar inestabilidad visual. Conviene que un color resalte respecto al otro y casi nunca es apropiado que se trate de colores complementarios. El empleo de color blanco como tercer color resalta los otros tonos y equilibra el efecto de contraste. 

Salón del Restaurant Varna, in the Varna Palace, Aarhus, diseñado por  Panton en 1970s. 

Modelo armónico: los tonos cercanos en el círculo cromático representan esquemas armónicos, pues comparten algo de color y difícilmente uno resalta respecto al otro. Generalmente se emplean tres tonos distintos en proporciones diferenciadas para evitar la fluctuación. Este modelo se puede expresar en tonos fríos o en tonos cálidos, con lo cual su elección estará supeditada al tipo de ambiente que se pretenda habitar. 

 

Entre 1892 y 1893 Victor Horta construye la Casa Tassel. Su taller de Bruselas se convierte en un centro difusor de la nueva estética en arquitectura y diseño.  Art Nouveau 

• Modelo discreto: permite combinar colores fríos y cálidos cercanos entre sí en el círculo cromático, sin emplear los más saturados. Al romper un esquema de colores cálidos con uno frío o de colores fríos con uno cálido, se genera un dinamismo discreto de ambiente suave con transiciones moderadas. El efecto general tiende al optimismo y a la creación de una atmósfera variada de matices. 

                                                            Interior Pop London 1960

• Modelo monocromático: cuando se emplean diferentes valores de un mismo tono (del claro al oscuro) se puede conseguir una composición armónica, siempre y cuando se combinen en el orden sucesivo que presenta una gama y no tanto sus extremos.

• Modelo policromático: si se combinan demasiados colores se pierde el equilibrio y podrá alterar el estado anímico, pero si se reducen a tres y no muy lejanos en el círculo cromático, como en el modelo discreto citado antes, se garantizará el efecto armónico y proporcionado. El modelo policromático de colores saturados se suele utilizar en espacios dedicados al juego infantil por su capacidad de expresión energética. Por el contrario, las combinaciones de color más suaves son aptas para espacios modernos y desenfadados, en donde se pueden desarrollar diferentes actividades.

Interior estilo Memphis años 80.   Utilizan contrastes de color.

• Modelo cálido: la armonía de colores cálidos crea un ambiente llamativo, alegre y agradable, con dos extremos de expresión que van desde lo más ardiente a lo más suave.

 Modelo más cálido no es adecuado para espacios dedicados al trabajo, a la reflexión, a la meditación y al reposo. No obstante, la tendencia hacia el anaranjado resulta útil en algunos lugares de comida rápida por su efecto estimulante y dinámico, mientras que la tendencia hacia el amarillo se suele emplear a menudo en áreas de acceso, salones y lugares de trabajo, porque potencian la actividad mental y física. Por otra parte, el esquema de colores más oscuros, como el café, el granate, etc , utilizado en ciertos locales intimistas, evoca ambientes de calma y sobriedad, e invita a la meditación.

 

                William Morris Red House  1859-1860. Arts and Crafts . De inspiración gótica.

Modelo fresco: tanto las gamas de azul como los verdes ayudan a mantener un espíritu de sosiego y serenidad, generando una atmósfera de descanso. No es adecuado utilizar los tonos más oscuros, ya que reduce considerablemente la cantidad de luz del ambiente. Un ambiente de colores verdosos produce sensaciones relajantes y refrescantes, e igualmente la variedad de azules, combinados o no con los verdes. El uso de estas gamas, las más claras o pálidas, son óptimas para centros de rehabilitación y para estancias dedicadas al reposo.

                                                Escalera interior de la Casa Milá de Gaudí.

• Modelo acromático: la utilización exclusiva de los grises y del blanco y negro es muy especial por la falta de color. En general, los grises provocan monotonía y ofrecen un espacio frío, triste y poco agradable, mientras que el negro, utilizado en una gran superficie, sería lúgubre y no permitiría la habitabilidad durante mucho tiempo. Por ello se suele emplear poco y en pequeñas superficies, y siempre en combinación con otros colores o con el blanco. El blanco, en cambio, se puede emplear en grandes proporciones, pues refleja muy bien la luz y resalta cualquier espacio, por lo que los ambientes se enriquecen si se combina el blanco con algún otro color. Un exceso de blanco genera monotonía, aunque ofrece sensaciones de limpieza y optimismo. Su mayor utilización suele ser, precisamente, en la cocina y en el baño, y en todos aquellos espacios que se quiera iluminar con mucha claridad.

El palacio Stoclet es una mansión particular construida por el arquitecto Josef Hoffmann entre 1905 y 1911 en Bruselas (Bélgica) para el banquero y aficionado al arte Adolphe Stoclet.1 Considerado la obra maestra de Hoffman, la casa de Stoclet es una de las casas particulares más refinadas y lujosas del siglo XX.

EL COLOR Y LAS PROPORCIONES DEL ESPACIO

• Bajar o subir el techo: cuando un cielo raso es demasiado alto en un ambiente, suele crear una sensación de frialdad y lejanía que limita la sensación de espacio acogedor.  Aplicando una tonalidad más cálida o más oscura que las paredes, el techo parece descender mejorando el efecto del conjunto. Cuando el techo tiene poca altura, bastará con aclarar el color del mismo para que produzca el alejamiento perceptivo, manteniendo un ligero contraste entre el cielo raso y las paredes, que deberían ser más oscuras.

                    Pasillo Restaurant Varna, in the Varna Palace, Aarhus, diseñado por  Panton en 1970s.

 

Ampliar el espacio: considerando que los colores pálidos reflejan más luz que los colores oscuros y que los tonos fríos propician la sensación de alejamiento, una combinación de estas características aumenta la sensación de ensanchamiento y de profundidad en un espacio.

Ensanchar un espacio estrecho: en espacios de circulación estrechos, así como algunos habitáculos más largos que anchos, se produce una sensación natural de estrechez por las dimensiones propias del lugar. Para mitigar la sensación de opresión lateral, es recomendable el uso de un color claro, cálido o fresco, aplicado en todo el recinto. Y si el suelo es claro, o si la iluminación es más potente, la sensación de amplitud aumentará por completo.

Proporcionar un ambiente cálido a un espacio amplio:

Un espacio muy grande puede resultar austero y frío, más aún si no recibe luz del sol. Hacer que un espacio de estas características parezca más agradable y habitable pasa por «caldear» el ambiente con colores cálidos en las paredes y en el techo, pero sin emplear colores extremos (rojo, naranja) en todas las paredes, pues se podría crear un efecto pernicioso, inquietante u opresivo. El uso de una gama de tonos cálidos reduce la sensación de espacio grande y vacío, y si se emplea un color más oscuro en el piso, se intensifica todavía más esta sensación. 

Frank Lloyd Wright's "little House” Minesota 1912-14

Texturas en diseño de Interiores:

Todo elemento o material posee una cualidad textual o produce una impresión de esta; ella es fácilmente apreciable, visualmente, o por el tacto, en tejidos, maderas, piedras, esmaltes, porcelanas, etc.

 Las superficies brillantes reflejan la luz; las mates la absorben; esta cualidad de las texturas influyen sobre el color.

Las superficies suaves hacen que el color parezca más claro; las ásperas los oscurecen.

Las texturas bastas contrastan con las suaves y hay que saber combinarlas.

HITOS EN DISEÑO DE INTERIORES

 

ARTS AND CRAFTS

La casita roja (Red House) es una propiedad que fue construida por Philip Webb en 1859 en Inglaterra, por encargo de William Morris. Toma su nombre del material con el que estaban construidos sus muros, ladrillo rojo. Dos años más tarde Morris organizó una asociación de artistas prerrafaelistas –incluyendo a Webb, Rossetti, Burne-Jones y Ford Madox– para formar un taller que diseñara y realizara por encargo cualquier trabajo artístico, desde murales hasta vidrieras y muebles, desde bordados hasta trabajos en metal y madera tallada. El propósito, era crear una obra de arte total, en la que su creador tuviera total conexión con su obra, y fuera única, en contraposición con la producción industrial. Fue la primera obra arquitectónica del grupo Art & Crafts. Interiormente fue decorada con pinturas murales y vitrales. Morris quería una casa y también un "Palacio de las Artes" en el que él y sus amigos pudiesen disfrutar produciendo obras de arte. La obra refleja la admiración por la autenticidad y humanidad de los métodos constructivos medievales. Está construida en ladrillo rojo cálido sin revestimientos, con un techo de tejas, facilitando la adaptación al medio que les rodea. Los autores evitaron seguir cualquier estilo y atendieron sobre todo a la utilidad práctica de la vivienda. El aspecto exterior del edificio surge directamente de la creación de los volúmenes necesarios para cumplir las funciones interiores. En el interior predominan la madera, los azulejos y el vidrio, materiales naturales que le dan un ambiente acogedor. Los diseños recuerdan un mundo medieval y vegetal.

MODERNISMO GAUDÍ

La Casa Milà, llamada popularmente La Pedrera es un reflejo de la plenitud artística de Gaudí: pertenece a su etapa naturalista (primera década del siglo XX), periodo en que el arquitecto perfecciona su estilo personal, inspirándose en las formas orgánicas de la naturaleza, para lo que puso en práctica toda una serie de nuevas soluciones estructurales originadas en los profundos análisis efectuados por Gaudí de la geometría reglada. A ello añade el artista catalán una gran libertad creativa y una imaginativa creación ornamental: partiendo de cierto barroquismo sus obras adquieren gran riqueza estructural, de formas y volúmenes desprovistos de rigidez racionalista o de cualquier premisa clásica.

MODERNISMO GAUDÍ, CASA BATLÓ

 Josep Batlló adquirió en 1903 un sobrio edificio que Gaudí, en la plenitud de su vida profesional, transformaría hasta convertirlo en una de sus obras más originales. Casa repleta de alegría y dinamismo, en la que predominan las formas onduladas y los tonos azulados.

Gaudí realizó una reforma integral: añadió dos niveles, diseñó una nueva piel ondulada para la fachada de espectacular policromía compuesta de trencadís vidriado y discos de cerámica que coronó con un inmenso lomo de dragón, unificó los patios de luces dotando a toda la casa de iluminación y ventilación por doquier.

En el principal situó la vivienda de la familia Batlló, una planta  completa en la que se halla el gran salón, con vistas al Passeig de Gràcia, caracterizado por una gran tribuna de vidrieras emplomadas y por el fino trabajo de ebanistería en su interior. Otro espacio añadido en la reforma y que destaca por su singularidad es el desván de la casa, una perfecta combinación de estética y funcionalidad de inspiración mediterránea, construido a partir de una sucesión de arcos catenarios sobre los cuales descansan las bóvedas del techo.

ART NOVEAU

 

Hill House RENNIE MACKINTOSH

A pesar de algunas restricciones impuestas por el propietario: En cambio, Blackie pedido gris áspero emitidos para las paredes y el techo de pizarra, y que cualquier efecto arquitectónico que se pretende garantizado por la concentración de las partes y no por adventicia adornos. Los pocos requisitos impuestos por el promotor y su postura no tradicional así como el gusto ornamental del cliente le permitieron a Mackintosh dar vida plena a sus ideas de diseño.

La mansión combina la tradicional feminidad del espacio interior del periodo Eduardiano, con la masculinidad del mundo público exterior. Para Mackintosh, aportar aspectos masculinos en el interior rompía con los interiores convencionales enteramente femeninos. Esto le permitió transmitir sentimientos y experiencias diferentes en función de la finalidad de cada espacio. Mackintosh utilizó diferentes materiales, colores e iluminación, cuando resultaba necesario resaltar la transición de un punto a otro.

ART NOVEAU- VICTOR HORTA

 

Las cuatro casas - la Casa Tassel, la Casa Solvay, la Casa van Eetvelde y la Casa-taller de Horta – están situadas en Bruselas y fueron realizadas por el arquitecto Victor Horta, uno de los iniciadores del Modernismo a finales del siglo XIX. Estas obras significaron una revolución estilística caracterizada por el plano abierto, la difusión de la luz y la brillante integración de las líneas curvas en la decoración y en la estructura del edificio.

Las casas de Victor Horta en Bruselas representan la expresión más señalada de la influencia del Modernismo en el arte y en la arquitectura. La aparición del Nuevo arte a finales del siglo XIX marcó una etapa decisiva en la evolución de la arquitectura y anunció los cambios futuros. 

Frank Lloyd Wright 1867- 1959)

Fue un arquitecto estadounidense, uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo XX. Wright acuñó el término de arquitectura orgánica, cuya idea central consiste en que la construcción debe derivarse directamente del entorno natural. Desde los inicios de su carrera rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos que imperaban a finales del siglo XIX. Siempre se opuso a la imposición de cualquier estilo, convencido como estaba de que la forma de cada edificio debe estar vinculada a su función, el entorno y los materiales empleados en su construcción. Este último siempre fue uno de los aspectos donde demostró mayor maestría, combinando con inteligencia todos los materiales de acuerdo con sus posibilidades estructurales y estéticas. Otra de sus aportaciones fundamentales a la arquitectura moderna fue el dominio de la planta libre, con la que obtuvo impresionantes espacios que fluyen de una estancia a otra. Este concepto es evidente en las llamadas prairie-houses (casas de la pradera).

 El palacio Stoclet es una mansión particular construida por el arquitecto Josef Hoffmann entre 1905 y 1911 en Bruselas (Bélgica) para el banquero y aficionado al arte Adolphe Stoclet.

Aunque la fachada recubierta de mármol está radicalmente simplificada y mira al racionalismo, contiene obras encargadas a Gustav Klimt en el comedor, cuatro figuras de cobre en lo alto obra del escultor Franz Metzner, y otras artesanías en el interior y exterior del edificio. Esta integración de arquitectos, artistas y artesanos hacen de él un ejemplo del Gesamtkunstwerk, una de las características que definen el Jugendstil.

  

MOVIMIENTO MODERNO

 GERRIT RIETVELD  SCHODER HOUSE

La Casa de Rietveld Schröder constituye tanto por dentro como fuera una ruptura radical con toda la arquitectura anterior. La casa de dos plantas se construye en el extremo de una manzana de viviendas, pero no hace ningún intento por relacionarse con las edificaciones del entorno. Al interior no hay una acumulación estática de las habitaciones, sino una dinámica y cambiante zona abierta. La planta baja todavía se puede entender como tradicional, donde oscilando en torno a la escalera central se sitúan la cocina y tres dormitorios. El salón se sitúa arriba, como un ático, para satisfacer las exigencias del encargo; de hecho forma una gran zona abierta a excepción de un aseo y un baño. Rietveld quería dejar dicha planta tal cual, sin embargo la Sra. Schröder consideró que como espacio vividero debía ser utilizable en cualquier forma, tanto abierta como subdividida. Esto se logró con un sistema de paneles deslizantes y giratorios, lo que permite que cuando está completamente dividida, se componga de tres dormitorios, baño y salón. Este sistema de paneles genera una gran variedad de permutaciones, cada uno de ellos con su propia experiencia espacial. Las fachadas son un collage de planos y líneas cuyos componentes están separados a propósito y parecen deslizarse pasando unos de otros. Esto permitió la creación de varios balcones. Como en la silla Roja y Azul, cada componente tiene su propia forma, posición y color. Los colores fueron elegidos para fortalecer la plasticidad de las fachadas, así utiliza superficies en blanco y tonos gris, ventana y puertas en negro, y una serie de elementos lineales en colores primarios.

 

MOVIMIENTO MODERNO

 PABELLÓN DE MIES VAN DER ROHE EN BARCELONA

como pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. Construido con vidrio, acero y distintos tipos de mármol, el Pabellón se concibió para albergar la recepción oficial presidida por el rey Alfonso XIII junto a las autoridades alemanas.

Cristal, acero y cuatro tipos distintos de piedra (travertino romano, mármol verde de los Alpes, mármol verde antiguo de Grecia y ónice dorado del Atlas) fueron los materiales utilizados en la reconstrucción. Todos ellos de las mismas características y procedencia que los utilizados inicialmente en 1929.La originalidad de Mies van der Rohe en el uso de los materiales no radica en la novedad de los mismos sino en el ideal de modernidad que expresaban a través del rigor de su geometría, de la precisión de sus piezas y de la claridad de su montaje.

MOVIMIENTO MODERNO

 VILLA SABOYA  LE COURBUSIER

La Villa Saboya es un edificio situado a las afueras de París, que fue construido en 1929 y proyectado por Le Corbusier, uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.

Cinco Puntos para una nueva Arquitectura desarrollados por el propio Le Corbusier, que consisten en:

•        Edificio que descansa sobre pilotes (columnas) en planta baja, dejando la superficie en su mayoría libre para permitir que el paisaje quede autónomo del edificio.

•        Cubierta plana, sobre la que se sitúa un jardín.

•        Espacio interior libre, debido a la estructura basada en pilares y tabiques.

•        Fachada libre de elementos estructurales, de forma que puede diseñarse sin condicionamientos.

•        Ventanas corridas en las fachadas para conseguir una profusa iluminación natural en el interior.

 ART DECÓ: DONALD DESKEY

Donald Deskey, Radio City Music Hall, New York, 1932

El Radio City Music Hall es un lugar de entretenimiento ubicado en el Rockefeller Center en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Es considerado como el teatro más importante del país, y se le da el apodo "Showplace of the Nation" ("Sitio del Más Interés Turístico en la Nación"). Fue inaugurado el 27 de diciembre de 1932 y, por un tiempo, fue considerado como el primer destino turístico de la ciudad de Nueva York. En su escenario, el espectáculo "Radio City Christmas Spectacular" ha sido presentado anualmente desde 1933. Su interior fue declarado como un punto de referencia del ciudad en 1978.

Alvar Aalto. Arquitectura orgánica.

Villa Mairea. En 1937 recibió el encargo de construir esta casa para una empresaria de la madera con lo cual este material fue clave para su proyecto. La vivienda, situada en medio de un bosque, alcanza una belleza y una sencillez sorprendente. Diez años más tarde construyó la residencia de estudiantes Baker House para el Instituto Tecnológico de Massachusetts. De nuevo deslumbra la elegancia y la sutileza de sus formas.

En 1953, El solar estaba en la cercana isla de Muuratsalo, La casa de verano de Aalto ha pasado a la historia de la arquitectura como un edificio donde Aalto busco más la experimentación estética que técnica. En total encontramos 50 paneles de ladrillo ninguno igual al anterior. 

 ERA DEL CONSUMO: EERO SAARINEN

Eero Saarinen se dedicó al diseño de muebles durante toda su carrera pero saltó a la fama junto con su compañero y amigo Charles Eames tras ganar  los primeros premios  en el Museo de Diseño Orgánico de Arte Moderno de Muebles para el hogar.

Tras la posguerra, Saarinen ayudó a crear la imagen internacional de Estados Unidos con sus diseños, como por ejemplo: Aeropuerto JFK

Eero saltó a la fama en el sector de la arquitectura doméstica. Saarinen ha producido importantes diseños residenciales que subrayó su capacidad para avanzar los ideales modernistas de la planta libre y la continuidad entre interior y exterior. Dicha arquitectura culminó tras la realización de la Casa Miller, que debido a su amplio presupuesto le permitió trabajar de forma grandiosa, con excelentes materiales.

 Arquitecto ecléctico, de arriesgados diseños, de formas libres basadas en la monumentalidad y expresión simbólica del poder. Diseñador elegante de mobiliario fabricado en plástico y madera laminada de estudiados detalles que representan las ideas sociales… 

ERA DEL CONSUMO: JOE CESARE COLOMBO

Total furnishing unit’  1971

Joe Cesare Colombo (1930 en Milán, Italia - 1971 en Milán, Italia ), fue un diseñador industrial italiano. Antes de dedicarse al diseño, fue pintor. Comenzó experimentando con nuevos materiales, como plástico reforzado y con novedosas técnicas de construcción y métodos de fabricación. Su primer diseño para Kartell fue la silla No. 4801 (1963-1964) en tres piezas de madera contrachapada.

Tal diseño inspiró su trabajo posterior con plástico, como la silla Universale No. 4860 (1965-1967), primer asiento para adultos moldeado en plástico por inyección (ABS)

 ERA DEL CONSUMO:  VERNER PANTON

Verner Panton (1926 1998) fue un diseñador industrial danés considerado como uno de los más influyentes del diseño de mobiliario de fines del siglo XX. Durante su carrera ha creado una variedad de diseños innovadores y futuristas, especialmente construidos en plástico y con colores brillantes. La mayoría de sus diseños más conocidos continúan en producción.

Grupo Memphis

 El Grupo Memphis fue un movimiento de arquitectura y diseño industrial con mucha influencia de los años 1980s.El grupo fue fundado por Ettore Sottsass en diciembre de 1980, y se resolvió que los integrantes se reunirían otra vez con sus diseños en febrero de 1981 El resultado fue un debut altamente aclamado en el "Salone del Mobile" (En español, Salón del Mueble) de Milán, la feria de mobiliario más prestigiosa del mundo. El grupo, que contó eventualmente con Michele de Lucchi, Matteo Thun, Javier Mariscal, Marco Zanini, Aldo Cibic, Andrea Branzi, Barbara Radice, Martine Bedin, George J. Sowden y Nathalie du Pasquier, se disolvió en 1988. 

Diseñadores Actuales

Phillipe Stark

Ron Arad

Norman Foster

Zahara Hadid

RESUMEN: HITOS EN EL DISEÑO DE INTERIORES.

1850-1900  El Movimiento Arts Ans Crafts la Casa roja de William Morris

1890-1905 El modernismo en Europa: la obra de Charles Rennie Mackintosh en Inglaterra; Hector Guimard y su defensa del modernismo en Francia. La Secesión vienesa y el nacimiento del Jugendstil: Viena fin de siècle.

El nacimiento de la casa moderna.

1900-1930 La historia compleja y sugestiva del diseño comienza en la segunda mitad del S.XIX, cuando los muebles en madera curvada permitieron la producción industrial en serie. A principios del siglo XX el diseño jugó un papel decisivo en el desarrollo cultural.

Gerrit Rietveld proyectó muebles de forma depurada, mientras Marcel Breuer creó la primera silla de acero tubular.

Mies Van der Rohe pabellón de Barcelona para la Exposición 1929

Frank Lloyd Wright  acuña el término de arquitectura orgánica ,el dominio de la planta libre, con la que obtuvo impresionantes espacios que fluyen de una estancia a otra. Este concepto es evidente en las llamadas prairie-houses

años 30 40: Art  Decó:  Destaca en Estados Unidos Donald Deskey, Radio City Music Hall, New York, 1932

La ligereza de las formas ha inspirado a ALVAR AALTO, arquitecto, que fue el primero en utilizar la madera multiestrato,y a servirse de técnicas y materiales utilizados hasta ese momento sólo por la aeronaútica.

Después de la Segunda Guerra Mundial los diseñadores americanos comenzaron a colaborar estrechamente con la Industria.

 Diseñadores como Cahrles Eames, Eero Saarinen realizaron modelos que debían ser producidos en serie para decorar las casas americanas.

 El Diseño se convirtió en un elemento de VIDA COTIDIANA. En aquel período, en Europa el Diseño de la decoración se desarrollo esencialmente en ITALIA y en ESCANDINAVIA.

La gran versatilidad de estos materiales y el desarrollo de nuevos tipos de espumas permitieron una gran fantasía creativa en la década del 60. En los tiempos del POP ART representaba una fuente de inspiración y los diseñadores jugaban con las formas y los colores. Los principales representantes de esta tendencia son Joe Colombo y Verner‐Panton.

En la década del 70 , el diseño se hace más radical, oponiéndose a las reglas del MODERNISMO. Grupos de diseñadores como Memphis o Archizoom enfatizaron el carácter divertido y lúdico de las formas, más que el caracter funcional

En la decada de los 80 se observa una gran búsqueda de simultaneidad de individualismo y pluralismo que lleva a una diversidad de estilos hasta ese momentos desconocidos. Phillipe Stark, y Ron Arad son importantes representantes de esta tendencia.

La decada de los años 90-2000 se caracteriza por una búsqueda de formas y materiales simples pero innovadores. Frank Gehry , Zahara Hadid, Norman Foster son figuras claves de este período.